Ons Barnat
Professeur au Département de musique de l’UQAM (Université du Québec à Montréal), avec champ de spécialisation en musiques populaires et technologies musicales, Ons Barnat est musicien multi-instrumentiste et ethnomusicologue spécialisé dans l’analyse de métissages dans les musiques populaires créoles dans les Caraïbes et l’océan Indien. Il a été professeur en sciences humaines numériques à l’Université d’Ottawa, concepteur de cours pour l’Université de Sudbury, chercheur postdoctoral Mitacs à l’Université Laval et au Center for Sound Communities de l’Université du Cape-Breton, puis professeur postdoctoral au Département de musique de l’Universidad de los Andes, à Bogota, en Colombie. Ses intérêts scientifiques touchent aujourd’hui à la recherche-création au sein du studio d’enregistrement – véritable laboratoire expérimental aussi bien pour le chercheur que pour le créateur – ainsi qu’au potentiel offert par la réalité virtuelle et augmentée pour l’ethnomusicologie contemporaine.
Chélanie Beaudin-Quintin
Artiste visuelle et réalisatrice, Chélanie Beaudin-Quintin (elle) crée des films de cinédanse, de réalité virtuelle, de fiction et des installations vidéo. Elle réalise actuellement une cinédanse stéréoscopique subaquatique, une oeuvre VR d’animation sur les enjeux du TDA/H chez l’enfant et collabore à la réalisation d’un opéra augmenté, créé avec de la capture volumétrique. Parallèlement à sa pratique artistique, Chélanie effectue un doctorat de recherche-création à l’Université Concordia. Sa pratique croise danse, cinéma et anthropologie pour explorer le corps individuel et collectif. Elle s’intéresse aux espaces d’échanges et de cohabitation, à notre comportement animiste envers les technologies numériques et à la transformation de notre corporéité dans la relation humain-machine. Par la danse (la performance) et le film, elle cherche à créer une nouvelle dramaturgie dont la forme narrative, en s’éloignant des codes classiques, semble plutôt sensorielle et incarnée.
Philippe Bédard
Philippe Bédard est chercheur postdoctoral au Département d’anglais de l’Université McGill. Ses recherches portent sur le design d’expositions en réalité virtuelle. Avec Alanna Thain et Carl Therrien, il dirige un ouvrage collectif intitulé States of Immersion: Bodies, Media, Technology, qui sera bientôt publié chez Amsterdam University Press.
Marie-Annick Béliveau
Marie-Annick Béliveau est présente sur les scènes montréalaises depuis plus de 25 ans. Elle recevait récemment le Prix Opus de « l’événement musical de l’année » pour sa prestation dans les Chants du Capricorne de Scelsi, opéra-performance pour voix seule.
En 2022, elle deviendra la nouvelle directrice artistique de la compagnie lyrique de création Chants Libres, fondée il y a trente ans par Pauline Vaillancourt.
Mme Béliveau est une interprète de premier plan dans le domaine des musiques modernes et contemporaines. Elle a créé plus d’une trentaine d’œuvres, et on peut l’entendre régulièrement en Europe et au Canada, sur les ondes de Radio-Canada et sur plusieurs enregistrements primés.
Hilary Bergen
Hilary Bergen est chercheuse postdoctorale à la New School de New York, où elle fait des recherches sur l’intersection de la danse, de l’animation et des technologies de réalité virtuelle. Elle est titulaire d’un doctorat de l’Université Concordia et sa thèse de doctorat examine l’histoire de la danse comme outil d’expérimentation avec les médias émergents.
Martin Bonnard
Chercheur postdoctoral au département d’histoire de l’art et des études en communication de l’Université McGill et membre du Laboratoire de recherche sur les pratiques audiovisuelles documentaires (labdoc) de l’Université du Québec à Montréal, Martin Bonnard est spécialiste de la diffusion en ligne du cinéma. Sa thèse de doctorat en communication (UQAM) traite de l’actualisation de l’expérience cinéma par les catalogues cinéphiles de vidéo par abonnement. Ses recherches portent sur la matérialité du visionnement en ligne dans une approche historique liant les études cinématographiques et médiatiques. Parmi les autres thématiques de recherche du moment : la scénarisation des productions documentaires et les figures de l’intimité à l’ère des médias socionumériques. Il a également développé une pratique de conception de webdocumentaires, notamment en participant aux projets : Up the High Line. New York sous le regard du cinéma (2014), Sur les soins (2020) et Les infirmières de la folie (2022).
Gillian Bowen
Gillian Bowen est une danseuse moderne et contemporaine primée à New York. Elle a étudié à l’école Martha Graham et est une formatrice certifiée de la technique Graham. Ayant expérimenté de nombreuses facettes du monde de la danse depuis qu’elle a commencé sa formation à l’âge de cinq ans, Gillian cherche à étendre ses structures actuelles et à transcender ses limites. Inspirée par son travail avec des chorégraphes et des compagnies de renom, notamment le Houston Grand Opera, Andre Bossov, le Dance Open de Saint-Pétersbourg, The Theorists, Sidra Bell et Marc Jacobs, elle est enthousiasmée par les nouvelles possibilités et les intersections entre la danse et la technologie.
Julia Brook
Julia Brook est directrice et professeur associée à la DAN School of Drama and Music de l’Université Queen’s. Ses recherches portent sur les intersections entre les contextes communautaires et l’enseignement et l’apprentissage des arts. Elle utilise des méthodes qualitatives pour examiner les programmes d’éducation musicale en studio, à l’école et dans la communauté.
Savinien Caracostea
Savinien Caracostea est un créatif, penseur et stratège kaléidoscopique basé à New York et travaillant à l’intersection du design, de la culture et de la technologie. Il apporte son expertise en design graphique, spatial et culinaire pour imaginer, générer et activer les espaces commerciaux et de loisirs de demain. En plus de conseiller des marques internationales de mode et d’hôtellerie sur leur stratégie créative et sur l’innovation numérique, il publie un magazine et a lancé une association à but non lucratif sur le web3 qui explore l’avenir du voyage. Il est diplômé en architecture de la Harvard Graduate School of Design et de l’Université Cornell, et enseigne les études sur l’alimentation à l’Université de New York.
Gabo Champagne
Gabo Champagne est un.e artiste transdisciplinaire dont le travail est aux confluents de la musique contemporaine, du théâtre expérimental, de l’art performance, de la vidéo, de la musique électroacoustique et de la conception d’éclairage. Ses plus récentes œuvres côtoient des formes telles que l’opéra contemporain, le théâtre musical expérimental et la vidéo-performance. Son impulsion créatrice prend forme à travers la transmodalité, c’est-à-dire la transposition de caractéristiques, techniques et/ou qualités présentes dans un médium vers un autre.
Le travail de Gabo a été présenté en Europe, en Asie et en Amérique du Nord. Iel détient par ailleurs une maîtrise en composition et création sonore de l’Université de Montréal.
Haoran Chang
Haoran Chang est un artiste multimédia qui se concentre sur la relation liminale entre le virtuel et la réalité. Il est titulaire d’une licence de l’Université du Wisconsin à Madison, d’une maîtrise en beaux-arts du Maryland Institute College of Art et d’une maîtrise en médias numériques de l’Université de Californie à Santa Cruz. Il a exposé ses œuvres dans divers lieux, virtuellement et physiquement, notamment au musée CICA en Corée du Sud, à Walter Otero Contemporary Art à Porto Rico, à Vox Populi à Philadelphie, et plus encore. Il a publié des articles dans des revues à comité de lecture telles que Refract et Virtual Creativity. Il est également le fondateur du collectif de réalité mixte Chameleon Gallery.
Ariane Couture
Pianiste de formation, Ariane Couture est professeure de musicologie à l’Université de Sherbrooke. Engagée dans les milieux scientifique et professionnel, elle est rédactrice en chef francophone d’Intersections : Revue canadienne de musique et siège sur plusieurs comités impliqués en culture et en numérique. Elle est l’auteure de La création musicale à Montréal de 1966 à 2006 vue par ses institutions (PUL).
Marie Duveau
Marie Duveau est issue d’une formation pluridisciplinaire nommée Licence Humanités, qui regroupe l’enseignement de l’Histoire, des Lettres, des Langues et de la Philosophie, dispensée à l’Université de Strasbourg. Après cette formation enrichissante, elle réalise un master de recherche en études théâtrales conjointement à Montpellier et à Athènes. Son mémoire porte sur le théâtre documentaire et néo-documentaire appliqué à la représentation de la Révolution française, dans les dramaturgies contemporaines.
À la fin de ce Master, en 2022, elle obtient un contrat doctoral en Arts du spectacle à la Sorbonne-Nouvelle, sous la direction de Mr P. Longuenesse (Directeur du département d’études théâtrales (IET)). Son sujet de thèse est le suivant : « Théâtres de l’indignation au XXIe siècle : modalités documentaires et enjeux politiques des dramaturgies du « savoir sensible » ».
Josette Féral
Josette Féral enseigne à L’École supérieure de théâtre de l’UQÀM et à l’Université Sorbonne Nouvelle à Paris. Ses domaines d’expertise sont l’analyse de la représentation théâtrale, les effets de présence, le jeu de l’acteur et les nouvelles formes scéniques.
Elle a publié plusieurs livres parmi lesquels Mise en scène et jeu de l’acteur, tomes 1, 2 et 3 (Montréal, Bruxelles, 1997, 1998, 2007), Rezija in Igra (Slovénie, 2008) et Teatro, Teorica y practica : mas alla de las fronteras (Argentine, 2004). Directrice de plusieurs ouvrages collectifs dont le plus récent est The Genetics of Performance (Cambridge Univ. Press, 2008), elle est aussi l’autrice de nombreux articles sur la théorie du théâtre qui ont été traduits dans plusieurs langues. Josette Féral a donné des conférences et des séminaires en Europe, en Asie, au Moyen-Orient, en Afrique du Nord, en Afrique, en Amérique du Nord et du Sud, et aux Etats-Unis et a également produit deux séries de documentaires Paroles d’artistes (avec Paul Tana) et Mémoire du théâtre.
Dafydd Hall
Directeur artistique de l’Ulster Touring Opera, Dafydd Hall Williams a suivi une formation à l’Oxford School of Drama avant d’obtenir une licence et une maîtrise à l’université d’Aberystwyth. Avant de fonder la compagnie transfrontalière Ulster Touring Opera, basée à Belfast, Dafydd a travaillé avec des compagnies d’opéra à travers le Royaume-Uni et l’Irlande, telles que le Wexford Festival Opera, le Welsh National Opera, l’English Touring Opera, le Northern Ireland Opera, le Buxton Festival et le Mid-Wales Opera. Dafydd dirige le projet Augmented Reality Opera, qui explore le potentiel de la capture volumétrique pour donner vie à l’opéra de manière nouvelle et unique. Depuis 2015, Dafydd est directeur invité au département d’études vocales de la Guildhall School of Drama.
Tereza Havelkova
Tereza Havelková est professeure adjointe de musicologie à l’université Charles de Prague. Ses recherches se concentrent sur les relations contemporaines entre l’opéra et les médias, et sur l’intersection de l’esthétique et de la politique dans le théâtre musical. Elle est l’auteure de Opera as Hypermedium: Meaning-Making, Immediacy, and the Politics of Perception (Oxford University Press 2021), et co-rédactrice du numéro spécial « Sounding Corporeality » de Theatre Research International 46.2. Elle travaille actuellement sur un livre intitulé Music Theater and Politics : Hegemonies, Resistances, Utopias (co-édité avec Marcus Tan, sous contrat avec OUP), et un volume édité en tchèque intitulé Sound, Gender, Identity : Cultural Analysis of Music in East-Central Europe (Karolinum 2023). Elle est l’animatrice du groupe de travail sur le théâtre musical de la Fédération internationale pour la recherche théâtrale.
Shauna Janssen
Shauna Janssen, PhD, est une artiste interdisciplinaire, conceptrice de spectacles, éducatrice et chercheuse. Elle est professeure agrégée en création de spectacles au département de théâtre de l’Université Concordia, à Montréal. Dans son enseignement et ses recherches, elle se spécialise dans la pratique de la performance in situ, le théâtre et l’architecture, et la dramaturgie des nouveaux médias. Elle est titulaire d’une chaire de recherche de l’Université Concordia en urbanisme performatif, qui met l’accent sur la scénographie élargie en tant que pratique spatiale critique pour s’engager dans les lieux et les changements urbains. Ses recherches plus récentes, financées par le FRQSC, portent sur la « scène » en tant que site intermédial et sur les approches scénographiques de la création avec les technologies XR. Elle a mis en scène, organisé et conçu des performances et des installations adaptées au site au Canada, au Chili, en Allemagne, en Italie et en Nouvelle-Zélande. Ses écrits sur l’art in situ, la scénographie urbaine, la pédagogie et les pratiques de la performance ont été publiés dans de nombreux essais et monographies, notamment dans le Journal of Theatre & Performance Design, PARtake: the Journal of Performance as Research, et JAR.
Frédéric Léotar
Directeur général et co-fondateur du Centre des musiciens du monde de Montréal, Frédéric Léotar est un ethnomusicologue spécialiste des traditions musicales nomades d’Asie intérieure. Son expertise l’a amené à participer à des projets de sauvegarde et de restauration d’archives sonores (Académie des Sciences de l’Ouzbékistan) et de mise au point de protocoles d’enquêtes destinés aux ethnomusicologues de terrain. Ses recherches sur la transmission des savoirs traditionnels et leur analyse se retrouvent dans son ouvrage La steppe musicienne qui a reçu le Prix Opus du livre de l’année et un « Coup de cœur » de l’Académie Charles Cros. Il a participé à plusieurs projets où l’interdisciplinarité joue un rôle clé, que ce avec des spécialistes de l’informatique musicale, de la neuropsychologie ou encore des nouvelles technologies.
Jérémie Martineau
Jérémie Martineau est un artiste audiovisuel et chercheur basé à Montréal. Son travail développe une approche multidisciplinaire rejoignant art numérique et musique de concert, favorisant l’intégration des dimensions acoustiques, électroniques, visuelles, spatiales et scénographiques de façon à créer un tout intégré.
Suivant un désir de déformaliser l’expérience de concert, son approche compositionnelle se base sur l’immersion du spectateur et de l’interprète, mais aussi à même le processus compositionnel. Cette expérience immersive est atteinte non seulement au travers des interprètes et des sons produits, mais de tout ce qui est à voir et à ressentir.
Ses œuvres et son travail de recherche, fait sous la co-direction de Jimmie LeBlanc et Myriam Boucher, ont notamment été présentés à l’Université de Montréal, à la Maison Symphonique de Montréal ainsi qu’à l’Université de Greenwich. Il a récemment remporté le prix JTTP de la Communauté électroacoustique canadienne pour son œuvre Distractions, Horizons.
Astrid Novat
Astrid Novat est coordinatrice du pôle Canada de l’Institut des Amériques. Elle écrit actuellement sa thèse en littérature française et francophone intitulée « Guérir le chœur brisé : l’individu et la communauté à l’étude dans l’œuvre dramatique de Claude Gauvreau », sous la direction de Guillaume Bridet de l’Université de Bourgogne et de Jean-Marc Larrue de l’Université de Montréal. Elle s’intéresse notamment aux formations chorales et aux représentations du collectif. Elle a à ce titre rédigé les articles « Claude Gauvreau : la poétique au service de la constitution d’une identité collective ? » paru dans Études Canadiennes/Canadian Studies et « Claude Gauvreau : Une tension entre littérature vernaculaire et littérature-monde ? » dans les Actes de colloque des rendez-vous de la recherche émergente du CRILCQ.
Yacine Ouazzani
Yacine Ouazzani est chercheur associé au Centre de recherche en Gestion des Organisations (CREGO) à l’Université de Bourgogne et chercheur invité à l’Université de Valencia (Espagne). Il est titulaire d’un doctorat en sciences de gestion de l’Université de Lorraine et de deux Masters of Sciences, l’un de l’École d’Ingénieurs Centrale Lyon et l’autre de la Grande École HEC Paris. Il a exercé diverses responsabilités dans le domaine du marketing au sein de grandes entreprises internationales et en tant que consultant indépendant. Ses recherches portent sur l’opéra, la valeur perçue, l’expérience de consommation, le streaming, le marketing des arts et de la culture ainsi que sur les nouveaux modes de consommation de la culture. Il est l’auteur d’articles publiés dans le Journal of Marketing Management et l’International Journal of Arts Management.
Viva Paci
Viva Paci est professeure de Théorie du cinéma à UQAM où elle codirige le Laboratoire de recherche sur les pratiques audiovisuelles documentaires (labdoc). Parmi ses livres : Il cinema di Chris Marker (2005) ; La machine à voir. À propos de cinéma, attraction, exhibition(2012) ; La télévision selon Jean-Christophe Averty (codir. 2016) ; Une télévision allumée : les arts dans le noir et blanc du tube cathodique (codir. 2018). Ses recherches actuelles, financées par le Conseil de recherche en sciences humaines du Canada, portent – entre conservation et exposition – sur les relations entre cinéma et taxidermie. Un autre chantier de réflexion porte sur l’écriture du réel dans une diversité de projets documentaires.
Kevin Pinvidic
Kevin Pinvidic est un artiste interdisciplinaire basé à Tiohtiá:ke/Montréal. Depuis plus de dix ans, ses recherches explorent des stratégies analogiques et numériques matérialisant l’expérience physique de la ville dans des transpositions hybrides. Formé en design et en architecture (École Boulle, Paris, 2008, École nationale d’architecture de Versailles, 2010), il obtient une maîtrise en arts visuels et médiatiques de l’UQAM en 2015. Il est actuellement inscrit au candidat à l’Université Concordia (programme INDI). S’appuyant sur l’urbanisme performatif et la scénographie élargie, le design et les arts computationnels, la géographie et la cartographie, sa recherche-création interroge les interrelations entre matière, identité et pouvoir politique dans le contexte de la ville globale. Il collabore à des groupes de recherche académiques (Pulse, Geomedia Lab, Concordia; Mediane, UQAM) et est également scénographe pour les arts de la scène. Son travail a été présenté au Canada, en France, en Chine et au Japon.
Jessica Pilon Pinette
Flûtiste et musicologue née à Montréal, Jessica Pilon Pinette est une musicienne aux orientations multiples. Sa pratique instrumentale vise l’étude des différents instruments de la famille des flûtes traversières, et ce dans de nombreux genres musicaux. Son mémoire de maîtrise, « L’oreille haptique : Cette musique qui touche », se consacre à appliquer au musical la conception deleuzienne de l’« haptique », concept dérivé des arts visuels. Jessica est activement impliquée à titre d’auxiliaire dans de nombreux projets de recherche, tout en poursuivant parallèlement des activités professionnelles à titre de flûtiste, de conférencière ou encore d’auteure. L’excellence de son parcours académique et l’originalité de ses orientations de recherche ont été récompensées et supportées à de nombreuses reprises lors de ses études au baccalauréat (UQAM, pratique artistique, 2016-2019) et à la maîtrise (UdeM, musicologie, depuis 2020).
Mathilde Pulh
Mathilde Pulh est Maître de Conférences HDR en Science de Gestion à l’IAE Dijon où elle dirige le Master Management du Tourisme et de la Culture. Elle est membre du Centre de Recherche en Gestion des Organisations (CREGO) et ses travaux de recherche se concentrent sur le management des activités culturelles, en particulier sur l’expérience de consommation, la valeur perçue et les stratégies de construction d’offres expérientielles (muséales, festivalières…). Ils ont fait l’objet de publications dans des revues telles que Journal of Business Research, European Journal of Marketing, Management International, Décisions Marketing ou encore International Journal of Arts Management.
Colleen Renihan
Colleen Renihan est professeur associé à la DAN School of Drama and Music de l’Université Queen’s. Ses recherches portent sur la manière dont le théâtre musical nouveau aborde les questions de voix, de temporalité, de mémoire et d’histoire. Dr Renihan est l’auteur de The Operatic Archive: American Opera as History. Brook et Renihan codirigent un projet financé par le CRSH et la FCI qui utilise des méthodologies de recherche-création pour examiner les moyens de créer des opportunités musicales plus accessibles aux adultes plus âgés dans des environnements virtuels et hybrides.
Ana Clara Santos
Membre fondateur, ex-présidente de l’Association Portugaise d’Études Françaises (APEF, prix Hervé Deluen 2014-Académie Française), Ana Clara Santos a fait sa formation académique à l’Université de la Sorbonne Nouvelle-Paris III (doctorat en littérature française classique en 1996) et elle est actuellement professeure associée à l’Université d’Algarve et chercheuse au CIAC (Centre de recherche en Art et Communication), où elle intègre l’équipe du projet EXPL/ART-PER/0788/2021 – CyPeT – « Développement d’un nouveau modèle pédagogique pour l’enseignement de la cyberperformance dans l’enseignement supérieur ». Elle est chercheuse aussi au Centre d’Études de Théâtre de l’Université de Lisbonne où elle a intégré l’équipe du projet européen ARGOS, Observatoire européen des processus de création dans les arts de la scène, coordonné par Sophie Lucet (Université Rennes 2) et financé par le programme Europe créative (2018-2021). Elle dirige la collection « Entr’acte : études de théâtre et de performance » aux éditions Le Manuscrit à Paris.
Samantha Salaci
Samantha Salaci est doctorante à l’Université Paris 13 et chercheuse au sein du Laboratoire des Sciences de l’Information et de la Communication (LabSIC). Sa thèse porte sur les transformations médiatiques des Opéras face aux injections du numérique. Ce projet vise à interroger la transformation des institutions culturelles qui s’opère à travers le numérique en les accompagnant dans l’organisation de leur offre culturelle d’un point du vue communicationnel.
Cyrus Sundar Singh
Cyrus est un AcademiCreActivist : cinéaste lauréat d’un prix Gémeaux, compositeur, auteur-compositeur-interprète, poète, auteur et artisan du changement, qui poursuit actuellement un doctorat en communication et culture. Le premier film de Cyrus, Film Club, a remporté le prix Gemini et le prix Reel Diversity de l’ONF ; ses écrits sont publiés dans des revues à comité de lecture et des anthologies de poésie ; ses productions sur place l’ont amené à voyager dans le monde entier, notamment en Inde, en Israël, en Espagne, en Haïti, en Jamaïque et au Sri Lanka. Fort de ses seize années de carrière dans le domaine du documentaire et de la narration, il a conçu et exploré avec succès un nouveau genre de documentaire en direct, Performing the Documentary, avec des premières mondiales consécutives au Hot Docs International Documentary Festival : Brothers In The Kitchen en 2016 ; Africville in Black and White en 2017 et en 2018 à l’Atlantic Film Festival. Les crédits de Cyrus en tant que compositeur sur des films primés comprennent : Moving Day (Genie) ; Twisted Sheets (sélectionné aux Gémeaux), Film Club (Gémeaux) ; Salaam Shalom : The Jews of India (GoldPlaque@INTERCOM, Chicago ; Worldfest, Houston).
Jenn Stephenson
Jenn Stephenson est professeur à l’Université Queen’s, à la Dan School of Drama and Music. Elle est l’auteur de deux livres : Insecurity: Perils and Products of Theatres of the Real (U of Toronto P, 2019) et Performing Autobiography: Contemporary Canadian Drama (U of Toronto P, 2013). Des articles récents ont été publiés dans Theatre Research in Canada (43.1, 2022) et Contemporary Theatre Review (32.1, 2022). Ses recherches actuelles avec la cochercheuse Mariah Horner portent sur la nature de l’engagement des publics dans les hybrides jeu-jeu. Jenn et Mariah ont coécrit le livre Play: Dramaturgies of Participation qui doit paraître en 2024 chez Playwrights Canada Press. www.dramaturgiesofparticipation.com
Caroline Traube
Caroline Traube est professeure titulaire à la Faculté de musique de l’Université de Montréal où elle enseigne et mène des recherches dans les domaines de l’acoustique musicale, la psychoacoustique, l’informatique musicale, la musicologie expérimentale et la musicologie de la performance. Diplômée en technologies de la musique (Ph.D., Université McGill) et en génie électrique et télécommunications (Eng., CCRMA/Université de Stanford, États-Unis; Ir. Faculté polytechnique de Mons, Belgique), elle a aussi étudié le piano et la composition électroacoustique. Caroline Traube dirige le Laboratoire de recherche sur le geste musicien (LRGM) dont la mission est de soutenir l’étude interdisciplinaire des pratiques musicales, en particulier l’interprétation, ainsi que le transfert des connaissances entre les milieux scientifiques et artistiques. Membre de l’OICRM, du CIRMMT et du BRAMS, ses recherches portent notamment sur le timbre des instruments de musique, de sa création par le geste de l’interprète, à sa perception.
Margaux Vales
Margaux Vales est chercheuse postdoctorante à l’Université de Haute-Alsace et au laboratoire du Centre de Recherche en Gestion des Organisations (CREGO). Issue d’un master en gestion touristique et culturelle, elle s’intéresse aux transformations des industries culturelles et créatives. Ses travaux s’inscrivent dans le champ de la stratégie et étudient les liens entre innovation, adoption du changement et performance. Sa thèse intitulée « Les réponses négatives à l’innovation stratégique, le cas des labels de musique face au streaming » a notamment permis de mettre à jour des comportements d’inaction et d’indifférence organisationnelle.
Célia Vieira
Célia Vieira est Professeur à l’Université de Maia (Porto, Portugal) et chercheuse au CIAC (Centre de recherche en art et communication), où elle intègre l’équipe du projet EXPL/ART-PER/0788/2021 – CyPeT – « Développement d’un nouveau modèle pédagogique pour l’enseignement de la cyberperformance dans l’enseignement supérieur ». Elle s’est spécialisée dans le domaine de la littérature comparée, avec la thèse « Théorie du roman naturaliste ibérique et son influence française » (Faculté de Lettres de Porto), et a de nombreuses publications dans les domaines de la littérature comparée (domaines portugais, français et espagnol), des humanités numériques et des études d’intermédialité, dont Inter Media. Littérature, Cinéma, Intermédialité (org) (Éditions L’Harmattan 2011) ou Dictionnaire des Naturalismes (collaboration) (Honoré Champion éd. 2017). Elle est l’un des membres de l’équipe du projet international « Naturalisme-Monde » (Labex TranferS) de l’ITEM-CNRS (2017-).